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Diseño e imagen: cinco documentales insólitos para inspirarse

Diseño e imagen: cinco documentales insólitos para inspirarse

Eugenia Luchetta Publicado el 3/30/2022

Diseño e imagen: cinco documentales insólitos para inspirarse

Para muchos de los que se dedican a ello, el diseño no es solo un trabajo, sino una pasión a la que dedicarse en su tiempo libre. La línea entre trabajo y entretenimiento es muy fina y a veces se puede ver desdibujada, como ocurre con muchos documentales, espectáculos y charlas, que pueden verse como oportunidades de formación o como productos de ocio.

En las últimas décadas, el interés por el diseño y por la imagen ha crecido muchísimo, así como los productos audiovisuales que tratan sobre este mundo y sus protagonistas. Estos productos audiovisuales van desde proyectos independientes hasta producciones distribuidas por los grandes gigantes del streaming.

Hemos recopilado algunos de los documentales estrenados en los últimos años que más han dejado huella y que ofrecen unas ideas muy interesantes tanto para diseñadores como para no diseñadores.

Graphic Means (2017), Briar Levit.

Graphic Means es un documental independiente producido por Briar Levit, profesora de Diseño gráfico en la Universidad de Portland State, y que se financió a través de una recaudación de fondos en Kickstarter.

Graphic Means nos muestra una interesante visión general de cómo era el mundo del diseño entre los años 50 y 90, antes de que la llegada de la autoedición hace unos 30 años lo revolucionara por completo. Este periodo quizá haya sido el que haya presenciado un cambio más rápido de la profesión. En un espacio de pocas décadas, se ha pasado de la impresión tipográfica con linotipias (que llevaban décadas usándose) a la fotocomposición, hasta llegar a los software digitales.

Las acciones que hoy se realizan pulsando unas teclas delante de un ordenador, entonces se llevaban a cabo mediante varios procesos e intentos, utilizando distintas herramientas e involucrando a varios profesionales.

La idea de hacer el documental surgió gracias al deseo de analizar un método de diseño y producción del que muchos diseñadores formados a partir de los años 90 no saben nada, al igual que la directora antes de comenzar el proyecto.

El documental se proyectó en distintos festivales y eventos, y ahora se puede ver en streaming en la página www.graphicmeans.com.

Helvetica (2007), Gary Hustwit

Helvetica, puede que uno de los documentales más famosos sobre el diseño y que se realizó a partir de la omnipresencia de dicha fuente, la Helvetica, analiza cómo las fuentes tipográficas forman parte de la arquitectura de la ciudad y, por consiguiente, tienen una gran influencia en nuestro día a día y en nuestras vidas, a veces incluso sin saberlo.

En el documental, se entrevistan a algunos de los diseñadores más innovadores y famosos, que nos hablan de su trabajo, su método de diseño y su relación con la tipografía. Entre ellos, se encuentran: Erik Spiekermann, Matthew Carter, Massimo Vignelli, Wim Crouwel, Hermann Zapf, Neville Brody, Stefan Sagmeister, Michael Bierut, David Carson, Paula Scher, Jonathan Hoefler, Tobias Frere-Jones, Experimental Jetset, Michael C. Place, Norm, Alfred Hoffmann, Mike Parker, Bruno Steinert, Otmar Hoefer, Leslie Savan, Rick Poynor y Lars Müller.

Aunque ya han pasado casi 15 años desde la primera proyección de este documental, el análisis sigue siendo muy de actualidad tanto en el contenido como en el enfoque, analizando el diseño desde un punto de vista psicológico, social y artístico.

Helvetica fue el primer largometraje del director Gary Hustwit, que más tarde realizó otros documentales bastante conocidos sobre diseño, como Objectified (2008), Urbanized (2011) y Rams (2018). Su interés por la tipografía y el diseño surge porque quería acercarse a lo que normalmente se da por descontado, para desvelar el trabajo que hay detrás y que no se ve, pero, sobre todo, por el impacto que tiene en nuestras vidas.

 Helvetica se puede ver en streaming previo pago en Vimeo.

Abstract: El arte del diseño (2017–2019), Scott Dadich

Abstract: El arte del diseño es una serie original de Netflix de dos temporadas que sigue a diseñadores consagrados en sectores muy distintos y en la que podemos ver su proceso creativo.

Cada episodio trata sobre un diseñador distinto, en el que se construye un relato íntimo y se habla de particularidades, hábitos y del día a día, aparte de sobre sus éxitos y sus métodos de trabajo.

Los diseñadores que aparecen en la serie vienen de distintas ciudades del mundo y trabajan en campos distintos, desde el diseño de zapatillas hasta la escenografía o el diseño de caracteres tipográficos. La serie ofrece una visión general muy interesante acerca de la gran variedad de sectores en los que puede trabajar un diseñador, tanto que es increíble pensar que a trabajos tan distintos se les llame de la misma manera. Sin embargo, al mismo tiempo, se pueden apreciar paralelismos tanto en los procesos de trabajo como en la investigación, en la toma de decisiones y en el proceso de perfeccionamiento.

Los 14 episodios son muy interesantes tanto para aquellos que ya forman parte del sector y quieren profundizar más en su campo y descubrir cosas nuevas, como para alguien totalmente ajeno al diseño, ya que permite ver lo que hay más allá de los objetos, entornos e imágenes con los que interaccionamos a diario.

Entre los diseñadores que aparecen, se encuentra la diseñadora gráfica Paula Scher, el diseñador de caracteres tipográficos Jonathan Hoefler, el ilustrador Christoph Niemann y la diseñadora de vestuario Ruth E. Carter.

Abstract: El arte del diseño solo está disponible en Netflix.

Bauhaus: The Face of the 20th Century (1994), Frank Whitford.

Il Bauhaus fue una escuela de arte alemana, cuya actividad se desarrolló desde 1919 hasta 1933, y que se hizo famosa por su enfoque innovador sobre el diseño. Fundada por el arquitecto Walter Gropius en Weimar (más tarde trasladada a Dessau y, posteriormente, a Berlín), el principio fundamental de la escuela era que todas las artes estaban al mismo nivel, que no existen las artes menores y que todas se retroalimentan entre ellas.

El documental relata las etapas más destacadas del desarrollo de la escuela y las dificultades a las que tuvo que enfrentarse ante las presiones del régimen nazi, que veía a la escuela como un centro de ideas subversivas. A pesar de que tuvo una vida muy breve, la Bauhaus dejó un importante legado y el documental nos lo cuenta. 

Design is One: Lella & Massimo Vignelli (2013), Kathy Brew, Roberto Guerra.

Design is One es un relato de los casi cincuenta años de carrera de Lella y Massimo Vignelli, la pareja de diseñadores que ayudó a dar forma al actual panorama urbano desde el punto de vista tipográfico en EE. UU. y que tuvo una gran influencia en la segunda mitad del siglo XX. Incluso los que no saben quiénes son estos dos diseñadores, seguro que se han topado con alguna obra del estudio Vignelli Associates, entre las que se encuentran, por ejemplo, las imágenes del metro de Nueva York, el de los ferrocarriles del Estado de Italia o la identidad visual de American Airlines. Pero las obras del estudio eran muy interdisciplinares y abarcaban desde la tipografía o la identidad corporativa, hasta el diseño de productos, muebles, interiores, packaging, libros, mapas o folletos.

El documental se centra mucho en la colaboración entre los dos diseñadores y en la complementariedad de sus aptitudes, reconociendo la enorme contribución de Lella, que, durante las décadas anteriores, fue menospreciada por la prensa al atribuir a su marido obras que eran suyas.

Junto al documental Helvetica (que era la fuente favorita y más utilizada de Massimo Vignelli), Design Is One ayudó que el público conociese aún más el enorme legado de los Vignelli al diseño.

El documental se puede ver en streaming previo pago en la página designisonefilm.com.

Ahora que ya os hemos dado algunas ideas interesantes para explorar el mundo del diseño y de la imagen de una manera distinta, solo os queda encender la televisión…

¡Que lo disfrutéis!